‘La noche de los gatos’, de Muchachito Bombo Infierno y un gran video-clip

Ésta banda es de Barcelona, España, y mientras ultima la grabación de su tercer álbum, junto al productor Joe Dworniak, Muchachito Bombo Infierno ya tiene listo ‘La noche de los gatos’, el single que adelanta éste disco junto a su correspondiente videazo que lo subimos a éste posteo, rodado en su local de ensayo en plano secuencia (una sola toma), como tanto le gustaba filmar al maestro Berlanga, y con decorados creados en paneles móviles. De la dirección se ha encargado Joni Ferteza, hermano de Muchachito.

Rostros urbanos en el celular

Miguel Franchi le ha dado forma a un nuevo emprendimiento artístico: la TeleFnovela Rostros Urbanos, que celular mediante emite minicapítulos diarios en formato de mensaje de texto. "A veces sale un capítulo por día, otros días salen dos o tres, a distintas horas. También los hemos compilado para mandárselos por mail a los que se perdieron los primeros 25 capítulos, y que se puedan incorporar", explicó el autor en relación a una trama que va creciendo diariamente, y cuya síntesis puede solicitarse a rostrosurbanos@gmail.com.
Para Franchi, esta nueva propuesta resulta una auténtica experiencia: "La gente, por recomendación de algunos lectores, nos pide el compilado, y a partir de ese momento empezamos a mandar los capítulos por día, con lo que ello implica, porque a algunos les gusta la idea de que les llegue en cualquier momento. Y otros nos piden que no se lo mandemos más. Cada capítulo a cada persona le promueve algo distinto, y está también aquel al que se le ocurre algo, entonces se modifica el guión. Es muy dinámico".

Voice Band: Tararear con el iPhone

El universo de las aplicaciones para iPhone es tan inmenso que es imposible seguir sus progresos. En general llegamos a ellas por comentarios de otros exploradores. Boludeando por la web encontramos una nueva novedad, o un chichecito innovador que no durará mucho más que un rápido asombro. Se trata de Voice Band, una aplicación que permite crear una banda disponiendo de hasta 10 instrumentos. Lo absolutamente impresionante es que cada uno de ellos se crean simplemente cantándole al iPhone!!! (como puede verse en el video que dejamos aquí abajo). Cuesta U$S 2,99.

Obra colectiva en el centro de la ciudad

Las burbujas que atraviesan la calle cobran inusitadas trayectorias al ser aventadas por los colectivos que siguen por San Luis o doblan en Entre Ríos, y así consiguen otorgar un efecto de torbellino ascendente que atrapa al espectador. La artista sabe explotar y hacer jugar a favor de la obra la tensa espera de los espectadores de la vereda, que observan abyectos las poderosas líneas dibujadas por las burbujas mientras aguardan los colectivos. Otros de los espectadores que se han acercado hasta esta exposición suben ellos mismos a los colectivos que van derecho por San Luis y participan de la performance atravesando la esquina entre las burbujas.
Justo cuando las trayectorias de las bolas van agotando sus variantes, hace aparición el grupo de artistas, también de pollera larga (rasgo distintivo de este combinado de creadoras) y pañuelos en la cabeza, que dibujan un camino desplazándose desde San Luis y la cortada hasta la esquina de las burbujas con cajas de cartón que alojan envoltorios de papel y discos de alfileres. Van ofreciendo a la vista de los espectadores sus recipientes, estos se ven interpelados por la intervención huyendo apurados hacia calle Mitre. La obra no da respiro y presenta el equilibrio justo entre continuidad y ruptura. El grupo se detiene en la esquina de la mercería con sus cajas cerrando el círculo conceptual de la obra al posicionar los alfileres cerca de las agujas dejándonos reflexionar sobre las puntas de metal.
"Bolas de aire en San Luis" se estará presentando cada tanto en la intersección de calle Entre Ríos y San Luis, cerca del mediodía.

Fuente: Iván Fernández de Rosario/12

Hoy arranca la última temporada de LOST

Ya está. La espera terminó. Después de ocho meses de abstinencia, Lost arranca hoy su sexta temporada, la última, en Estados Unidos. Hermetismo total en todo éste tiempo porque hasta hace tres días nunca salieron adelantos o imágenes del final de la serie que más pendiente ha tenido al mundo entero, muchísimas muestras de arte se han hecho en el mundo con la serie como tópico, actores que prometieron no volver a actuar jamás y hasta fanáticos que crearon grupos musicales con estrofas que hablan de la serie.
Millones de sus fanáticos aguardan que los enigmas, las preguntas sin respuesta, las puertas abiertas por la serie que se transformó, desde su estreno en 2004, en religión global, por fin se aclaren y se cierren. Si esto no sucede, arderá Troya.
Aunque dos de sus creadores, Carlton Cuse y Damon Lindelof, ya abrieron el paraguas y aclamaron: “A muchos los decepcionará el final, pero cuando lo procesen verán la serie de otro modo. A nosotros nos encanta la mitología de la isla, pero sólo sirve para contar la historia de los personajes”.
Conforme avancen los 16 capítulos previstos para esta sexta y última temporada, que se estrena esta noche en Estados Unidos y el 9 de febrero en la Argentina, por AXN, se supone que se podrán empezar a atar los cabos sueltos y a sacar conclusiones acerca de la serie que más revuelo causó en los últimos años. Igual, miles de portales de internet ya tendrán desde mañana temprano todo el nuevo capítulo para descargar de la web en calidad de DVD.
“Sunset on the Beach” fue el nombre del evento realizado este sábado en Hawaii en el que el elenco completo presentó la sexta y última temporada a periodistas y fans. Pese a que las cámaras estaban prohibidas, una burló la seguridad de la cadena ABC y grabó el episodio completo, luego subido al sitio www.ustream.tv/recorded/4342548. Está en calidad aceptable, aunque hay que saber leer los labios para entender qué dicen. Empieza así: Juliet logra hacer estallar la bomba y ¡boom!: Jack aparece otra vez en el avión. Se lo ve nervioso, la aeromoza le acerca una botellita de alcohol. Cruza un par de palabras con Rose hasta que el avión comienza a sacudirse. Pero a diferencia de lo que ocurrió seis temporadas atrás, la máquina no se parte al medio. Jack va al baño y cuando vuelve a su asiento a su lado está Desmond. “¿Nos conocemos?”, le pregunta Jack. La cámara se aleja y se interna en el mar a toda velocidad. Se ve un tiburón con una marca de la Iniciativa Dharma y la pata de la estatua con cuatro dedos en el fondo del océano. Corte: en letras blancas sobre fondo negro se lee la palabra “Lost”.

Una gran entrevista a Chaplin de un fragmento del libro Genius of the Cinema

En 1966, Richard Meryman entrevistó a Charlie Chaplin y hablaron horas sobre la inspiración que iluminó sus películas. Pero la entrevista completa nunca apareció, hasta hace unos años en un libro recientemente publicado en Inglaterra. Dejamos algo de ella como para quedarse colgado mirando el blog, en silencio..

Esta entrevista girará en torno a su trabajo y su arte, y a nada más. Me gustaría saber cómo trabaja.
–Mi carácter consiste en que me preocupo por mi trabajo. Me preocupo por todo lo que hago. Si pudiera hacer algo mejor, otra cosa que no fuera cine, lo haría, pero no puedo.
¿Puede hablar del momento en que creó al Vagabundo?
–Surgió en medio de una emergencia. El cameraman me pidió que me pusiera un maquillaje divertido. Yo no tenía la menor idea de qué hacer. Así que fui a la sala de vestuario y, en el camino, pensé, bueno, los haré filmar algo contradictorio: pantalones amplios, saco ajustado, cabeza grande, sombrero pequeño; alguien harapiento y al mismo tiempo un caballero. No sabía qué hacer con la cara, pero sabía que iba a ser una cara triste y seria. Quería esconder su lado cómico, y entonces encontré esos bigotes. Unos bigotes que no tenían nada que ver con una caracterización tradicional; eran más bien tontos y no escondían mi expresión.
Cuando se vio, ¿cuál fue su primera reacción?
–Pensé: “Está bien”. Pero no encendió nada especial en mí. No hasta que tuve que interpretarlo delante de la cámara. Al entrar en cuadro, me sentí vestido, sentí que tenía una actitud. La escena, de la película Strange Predicament, tenía lugar en el lobby de un hotel, y el Vagabundo pretendía hacerse pasar por un huésped para llegar hasta uno de los sillones y descansar un rato. Todos lo miraban con cierta suspicacia, mientras yo imitaba todo lo que los huéspedes hacían: miraba hacia el mostrador, sacaba un cigarrillo, lo encendía, veía pasar un desfile. Y entonces me tropecé con la escupidera. Ese fue mi primer gag. En ese momento nació el personaje. “Este es un muy buen personaje”, me acuerdo que pensé después de tropezarme. Lo único que quería mantener no era tanto el traje sino sus pies. No importaba cuán bullicioso o exuberante se sintiera, siempre cargaba con esos pies cansados y enormes. Le pedí al departamento de vestuario dos pares grandes de zapatos viejos. Como tengo pies absurdamente pequeños, suponía que unos zapatos así me darían un andar cómico. Tengo gracia natural, pero tratar de ser agraciado con zapatos enormes... eso sí es gracioso.
¿Cree que el Vagabundo funcionaría en estos tiempos?
–No creo que haya lugar para una persona así hoy en día. El mundo se ha transformado en un lugar un poco más ordenado. Aunque no más feliz. No existe la misma humildad. Diría que la humildad se ha convertido en una antigüedad. Pertenece a otra era. Por eso no podría crear al Vagabundo hoy. Y está el tema del sonido, por supuesto. Cuando llegó el cine sonoro no pude seguir con el personaje. No sabía qué voz darle. Por eso tuvo que desaparecer.
¿Cuál cree que es el encanto del Vagabundo?
–Tiene esa pobreza gentil y silenciosa... Eso es lo que disfruto del personaje: que sea a la vez fastidioso y delicado. Pero nunca pensé en él en términos de encanto. Siempre relacioné al Vagabundo con cierto espíritu cómico que debía expresar. La reacción del público me motivó, pero nunca relacioné la creación del personaje a ella. El público siempre aparece al final del trabajo, no durante.
¿Cómo se le ocurre un gag? ¿Aparece de la nada o forma parte de un proceso?
–No, no hay ningún proceso. Las mejores ideas surgen en medio de una situación. Si se consigue una buena situación cómica, el impulso continúa y continúa. Como la secuencia de patinaje en The Rink. Encontré un par de patines y empecé. Todos esperaban que me cayera, pero yo seguía y seguía patinando graciosamente en un pie. Nadie esperaba eso del Vagabundo. O la escena del poste de luz en Easy Street. Apareció en una escena en la que yo era un policía intentando controlar a un matón. Le pego con unacachiporra, le vuelvo a pegar, y le pego una vez más. De repente, todo parece un mal sueño: él sigue arremangándose, impasible a los golpes. Después me alza y me vuelve a bajar. Entonces pensé: bueno, con su fuerza, podría arrancar el poste y mientras lo hace, yo puedo saltarle sobre la espalda, empujar su cabeza dentro de la luz y asfixiarlo con el gas del farol. Las cosas más graciosas aparecieron de esa improvisación. Pero hay momentos de agonía, también. Días miserables en los que nada funciona. Siempre dependió de mí encontrar algo que hiciera reír. Y no se puede ser gracioso sin una situación. Se puede ser payasesco o torpe, pero se necesita siempre una situación cómica.
¿Observa a las personas y toma situaciones de ellas, o nacen de su imaginación?
–Cada uno crea un mundo propio. El mío era mi estudio en California. Los momentos más felices me ocurrieron ahí, cuando tenía una idea o algo me sugería una historia. Entonces las cosas empezaban a fluir. La noche es un lugar bastante solitario en California, especialmente en Hollywood, así que era maravilloso crear un mundo cómico, un mundo diferente al cotidiano. Y es divertido. Uno se sienta, piensa, ensaya durante medio día, lo filma y está listo.
¿El realismo es una parte integral de la comedia?
–Sí, absolutamente. La situación absurda debe ser tratada con absoluto realismo. La audiencia lo sabe, y es tan real y tan absurdo a la vez que los deja exultantes.
Bueno, también está la crueldad. Había mucha crueldad en sus comedias.
–Bueno, la crueldad es el elemento básico de la comedia: lo que parece sano resulta enfermo, y si uno lo remarca con suficiente mordacidad, el público lo ama. Reconocen en eso la farsa de la vida, y se ríen de ello para no llorar o morir. Es una cuestión relacionada a ese misterio llamado candor. Si un hombre mayor resbala con una cáscara de banana y se cae lentamente, no nos reímos. Pero si le sucede a un caballero pomposo, orgulloso y exagerado, entonces nos reímos. Toda situación embarazosa es graciosa, sobre todo si es tratada con humor. De los payasos se puede esperar cualquier disparate. Pero si un hombre que se cree astuto entra a un restaurante, y resulta tener un agujero en el pantalón, bueno, si se trata con humor, eso puede ser muy gracioso. Sobre todo si se hace con dignidad y orgullo.
Su comedia es, en parte, una comedia de incidentes. No es intelectual, sino que está hecha de cosas que suceden.
–Siempre creí que una serie de incidentes relacionados arman una historia, como las bolas ordenadas antes de un partido de pool. Cada bola es un incidente. Una toca a la otra, y entre todas arman un triángulo. Es una idea que me ha acompañado mucho en mi trabajo.
En sus películas a usted le gusta mantener un ritmo acelerado y apilar un incidente encima de otro. ¿Lo considera una característica de su trabajo?
–No sé si lo llamaría una característica. He obsevado a otros comediantes capaces de bajar el ritmo, pero yo funciono mejor así. No tengo tanta confianza en lo que hago como para moverme despacio. Pero la acción no lo es todo. También debe haber desarrollo, porque de otra manera pierde realismo: se tiene un problema y se lo intensifica; no se empieza por el problema intensificado. Uno se pregunta: bueno, ¿hacia dónde vamos desde acá? ¿Cuál es el desenlace natural de esto? Si evoluciona de un modo realista y convincente, el problema se vuelve cada vez más y más complicado. Pero debe mantener su lógica, si no se obtendrá una comedia, pero no una comedia excitante.
¿Le preocupa el sentimentalismo o el cliché?
–No, no en la pantomima. No me preocupa el sentimentalismo, simplemente lo evito. Y no le temo al cliché: la vida es un cliché. Nadie nace con más originalidad que otros. Todos vivimos y morimos con tres comidas diarias,y todos nos enamoramos y nos desenamoramos. Nada puede ser un cliché mayor que una historia de amor, pero la historia puede continuar todo lo que uno quiera, siempre y cuando se le dé un tratamiento interesante.
¿Cuántas veces repitió el gag de comerse el zapato en La fiebre del oro?
–Lo filmamos una y otra vez como durante dos días. El pobre actor Mack Swain se enfermó. Los zapatos eran de regaliz, y comió demasiado. Ya el último día repetía: “No puedo comer más de esos zapatos”. La idea del gag me la dio la fiesta Donner (En 1846, un vagón de tren con 81 pioneros que iba hacia California quedó atrapado en una nieve de Sierra Nevada). Recurrieron al canibalismo y hasta se comieron un mocasín. Cuando me enteré, pensé: ¿estofado de zapato? Hay algo gracioso en eso. Sufrí un tiempo tratando de sacar adelante la historia, hasta que llegamos a una situación sencilla: el hambre. En el momento en que se soluciona la lógica de una situación, su realismo y su posibilidad de suceder, las ideas empiezan a fluir. Es una de las mejores escenas de la película.
¿Tuvo dudas o preocupaciones cuando empezó a hacer cine sonoro?
–Sí, claro. En primer lugar, tenía experiencia pero no entrenamiento académico, y hay una gran diferencia. Pero también sentía que tenía talento, que era un actor nato. Sabía que era mucho más fácil para mí hacer pantomima que hablar. Soy un artista, y sabía muy bien que en el hecho de hablar gran parte de eso desaparecería. Sabía que no iba a ser mucho mejor que cualquier otro actor que tuviera buena voz y buena dicción.
¿Era una cuestión de incorporar una nueva dimensión de la realidad lo que podía herir la fantasía del cine mudo?
–Sí. Siempre he dicho que la pantomima es mucho más poética, y tiene un atractivo universal que todos pueden entender si está bien hecha. El diálogo reduce a todos a cierta volubilidad. La voz es algo hermoso, sumamente revelador, y yo no quería ser demasiado revelador porque podía mostrar una limitación. Son pocas las personas cuyas voces alcanzan o al menos ofrecen la ilusión de gran profundidad, mientras que el movimiento es tan cercano a la naturaleza como el vuelo de un pájaro. La expresión de los ojos... no hay palabras. Hay expresiones de la cara que nadie puede ocultar. Un gesto de decepción puede ser tan sutil... Tuve que considerar todo esto antes de empezar a hablar. Y sabía muy bien que con el cine sonoro yo había perdido buena parte de mi elocuencia.
¿Tiene una película favorita?
–Creo que me gustó mucho Luces de la ciudad. Es sólida, está bien hecha. Es una verdadera comedia.
Es una película poderosa. Lo que me impresionó es cuán cerca se encuentran la tragedia y la comedia.
–Realmente eso nunca me interesó. Más bien es una idea que forma parte de mí. No creo que se pueda hacer humor sin sentir una gran piedad y simpatía por los hombres.
¿Será que queremos librarnos de las tragedias?
–No, creo que la vida es mucho más que eso. Si ése fuera el motivo, habría muchos más suicidios. Muchos más querrían salirse de la vida. Creo que la vida es algo maravilloso y debe ser vivida cualesquiera sean las circunstancias, incluso en la miseria. Prefiero la vida. Prefiero la experiencia por la experiencia misma. Creo que el humor nos salva. Demasiada tragedia nos puede hacer naufragar. Por supuesto que la tragedia es parte de la vida, pero también nos son dadas las herramientas para neutralizarla, para defendernos de ella. El humor es algo universal, y creo que se deriva, más o menos, de la piedad.
¿Cree que existe eso llamado “genio”?
–Nunca supe qué es un genio. Supongo que es alguien con talento, altamente emocional y capaz de dominar una técnica. Pero todos estamos dotados de una u otra manera. Aunque muchos excelentes profesionales han sido confundidos con genios.

"La hora de los magos", de Jorge de la Vega y una versión histórica gracias a Viajantes

Los Viajantes se han encontrado en algún lugar del mundo y decidieron hacer un disco en conjunto entre tantos caminos individuales que cada integrante a tomado en su carrera artística. Además de un disco lograron reunir a una cantidad impresionante de rockeros argentinos en la única composición ajena que es una versión de La hora de los magos del artista Jorge De la Vega, cantada junto a Fito Páez, Andrés Calamaro, Litto Nebbia, Daniel Melingo, Palo Pandolfo, Miguel Cantilo, Marcelo Moura, Fontova, Jorge Serrano y Miguel Zavaleta. Se puede escuchar en éste mismo posteo.

Viajantes ubica a sus integrantes en un territorio nuevo y diferente al de sus proyectos personales, reconociéndose parte de una tradición del rock argentino pero cantando con el espíritu de su época, trazando una genealogía de estilos e influencias. Viajantes emprende de ésta manera una aventura sin mapa ni pasajes hacia un destino aún incierto, el de su propia historia.
Viajantes es una banda formada fundamentalmente por músicos que supieron brillar como solistas o en otras bandas. Los tres compositores llevan unos cuantos años vibrando el under con reconocimiento y repercusión: Pablo Dacal formó parte de The Killer Burritos, Violeta Plástica y de la dichosa Orquesta de Salón. Manuel Onis fue cantante y guitarrista de El Hórreo, una especie de mito más o menos reciente del under que emergió en los ‘90 y arañó el nuevo milenio. Alfonso Barbieri fue miembro fundador de Los Cocine-ros. El baterista Juan Jacinto, último en sumarse a la banda, tocó con Leo García, Emanuel Horvilleur y Rosal. Los cuatro, además, desarrollaron auspiciosos trabajos como solistas.

Quizas Porque

Anoche viernes con mi hermano y un amigo nos pusimos a ver en Encuentro el programa ese que tiene archivo de rock argentino y la voz de Palo Pandolfo como locutor. Se llama Quizas Porque y esta realizado por Dani Garcia (el hermano de Charly). Es un gran programa que tiene unas imagenes increibles de la historia de nuestro rock. De nuestro mejor rock.
El que dieron ayer era el capitulo 5: Rock y Dictadura.
Les dejamos para que vean una parte del capitulo 2. Con Almendra como protagonistas. Rastreen los otros que deben andar dando vueltas por ahi.

Grupo Clarín y una bajada de línea a sus empleados

En una grabación que anda dando vueltas por la web, y cuya desgrabación sigue a éste texto, puede verse cómo los estamentos dirigenciales del Monopolio bajan línea de acción política a los empleados.
Esto debe saberlo todo el pueblo argentino, para entender que cuando se declama por la "república", en realidad se buscan mantener privilegios empresariales.

Mail de Daniel Zanardi a todos los trabajadores de Artear:

BUEN DIA:
CONFORME A LOS HECHOS DE PÚBLICO CONOCIMIENTO RELACIONADOS CON EL “PROYECTO DE LEY DE MEDIOS” CONVOCAMOS A TODO EL PERSONAL A LA CHARLA INFORMATIVA SOBRE EL PARTICULAR, LA QUE SE REALIZARÁ EL JUEVES 17 DEL CORRIENTE A LAS 14:30 HS. EN EL ESTUDIO “A”.
DANIEL ZANARDI

Desgrabación de la reunión realizada el 17/09 en el Estudio A (desde donde se emitía Mañanas Informales)
Daniel Zanardi (Gerente General de Artear): “Hoy nos preguntamos cuánto puede impactar esto (la Ley de Medios Audiovisuales). Y la respuesta es mucha.
Si tenemos en cuenta que la ley tiene como objetivo fragmentar los medios y esa fragmentación no hace más que desguazar o intentar desguazar nuestra compañía, las alternativas que hoy se estarían viendo, referidas a los negocios pasarían o por Cablevisión y Artear o en caso de que el grupo decida por Artear, una señal abierta que es Canal 13 y una sola señal de cable que podría ser o Todo Noticias o Canal 13 Satelital. Esto es, a grandes rasgos, el gran impacto que tiene este proyecto en Artear. Obviamente se están estudiando las estrategias adecuadas para cada una de las instancias que van a venir a futuro. La batalla es larga, recién comienza, falta, y nos asiste el derecho en muchos de los aspectos que vamos a discutir. Cuando se trata de interrumpir o de interferir con el orden constitucional y las garantías todo está en riesgo y esa es la situación en la cual nos estamos encontrando en este momento.
Hemos recibido ataques, seguramente seguiremos recibiéndolos, a nuestras empresas, a nuestra gente y vamos a tener que estar preparados para vivir por lo menos dos años muy, muy complicados.
Las estrategias legales y jurídicas se van a llevar a cabo. No es el momento de comunicarlas porque sí se están evaluando. Lo que sí les quiero transmitir es que a medida que ocurran hechos trascendentes se los vamos a tratar de comunicar. En cuanto a la línea editorial a seguir por Artear, Carlos De Elía se va a referir brevemente en este momento hacia ustedes.
Carlos De Elía (Gerente Área de Noticias de Artear): “Buenas tardes. Yo quiero decirles brevemente que nuestro objetivo es tener la templanza que necesita este momento y seguir haciendo lo que venimos haciendo hasta hoy.
Yo creo que nuestro objetivo principal es no entrar en provocaciones, no responder a provocaciones y no ponernos en el medio de una batalla que no nos pertenece ni que generamos, ni que inventamos nosotros.
Nosotros en TN y en Canal 13 hace 20 años que hacemos lo mismo. Ahora parece que lo que hacemos hay gente que no le gusta. Yo quiero aprovechar que Daniel me da este momento para decirles que lo de la pluralidad es una mentira, pluralidad es menos. Si pluralidad es que no esté TN, que no esté América 24, que no esté quizás el 26, porque no, si significa eso pluralidad, pluralidad es menos.
También nos han dicho de los pueblos originarios, de los mapuches, de los tobas, todos estamos de acuerdo, todos queremos una ley nueva pero la que no queremos es ésta. ¿Quién le va a pagar el canal o la radio al mapuche o a los tobas? ¿Quién va a comprar si llega el punto que se vende Canal 13, TN, Telefé, Canal 9, Canal 26, América? ¿Quién lo va a comprar? ¿Los mapuches? ¿Los tobas? No, lo van a comprar los que compraron Radio del Plata, los que compran Siete Días, todos los Szpolskis y todos los amigos del Gobierno, eso está clarísimo. Pero nosotros sabemos eso, sabemos que hay cosas que en el fondo, éstas, no las podemos decir porque es tomar un partido por una guerra que como dije no nos pertenece y lo único que podemos hacer es seguir trabajando con las herramientas que nos da el profesionalismo y que nos da la experiencia. Y eso es lo que básicamente les pido a todos: templanza y paciencia y profesionalismo. Gracias”.
Daniel Zanardi: “Para finalizar, todos nosotros y todas nuestras familias están viviendo un momento de mucha zozobra y obviamente estamos al tanto y entendemos la situación que particularmente pueda estar viviendo cada uno de ustedes. El momento es difícil, realmente es difícil, pero los invito a que nos concentremos en nuestras tareas- El Grupo y Artear va a hacer todo el esfuerzo para mantener los derechos y los activos de nuestras compañías y las fuentes de trabajo de cada uno de ustedes. Nada más y muchas gracias”. (fin)

Teatro a la gorra para toda la familia

El Ciclo de Teatro en las Escalinatas del Parque España continua el próximo sábado 30 con la obra "Piantados", un espectáculo donde se mixtura el tango y la actuación a cargo de Gisela Bernardini y Christian Alvarez con texto y dirección del propio Alvarez. El domingo 31 se pondrá en escena la obra "La banda de las narices rojas" a cargo del grupo La Partusa integrado por Raúl Bruschini, Alberto Dorado y Mauro González. El primer sábado de febrero el grupo Sarna con gusto presentará "Fausto" con las actuaciones de Paula Geminale, Jeremías Pucheta, Lucía Guerrero, Germán Geminale y Adriana Felicia ,todos bajo la dirección de Raúl Bruschini.
El domingo 7 sube a escena "Veo veo. ¿que ves", el sábado 13 "Cambaleo", el 14, "Al horno con papas", el 20 "La belleza", el 21 "Misión arboleda", el 27 "Farolito azul" y el 28 "Corcheo y Bambalinas".
En marzo están programadas hasta el momento sólo dos funciones, el 6, "Cámara lenta" y el 7, "Esos locos pasajeros", siempre en el horario de los sábados a las 21.30 y los domingos a las 19.30.

AC/DC adelanta algo del DVD que grabaron en la cancha de River el año pasado

Nueva grabación encontrada de Neil Young

El viernes pasado, en plena transmisión del teletón por Haití, se vio a un hombre desgarbado y viejo tocando la guitarra junto a Dave Matthews. Era nada menos que el legendario Neil Young, que en la última semana tuvo una reaparición triunfal en las disquerías locales, con un nuevo hito de su antológica serie (aún en proceso de construcción, como los websites) Archives Performance Series.

El plan del buen Neil es un proyecto que arrancó a fines de los años ochenta, primero con declaraciones en reportajes sobre su intención de hacer público material inédito y grabaciones en vivo. Luego, lo fue concretando lentamente, para alegría de sus fieles fans de todo el mundo. Hoy queda en claro que este exhaustivo y completo trabajo tiene cuatro niveles: “Box Sets” (cajas con diez CD y diez DVD), “Performance Series” (rarezas de conciertos) y “Special Edition” (¡álbumes inéditos!), además de las clásicas reediciones oficiales.
Este impresionante Dreamin’ Man Live 92 pertenece a las Performance Series, donde antes salieron Sugar Mountain Live at Canterbury House 1968, Live at the Riverboat 1969, Live at the Fillmore East y Live at Massey Hall 1971. Posee una diferencia sustancial: no es el registro de un recital específico, sino de las mejores tomas de la gira que realizó antes de entrar en estudios para registrar su antológico Harvest Moon, su álbum posterior al rockero Ragged Glory, tras recuperarse de un grave problema auditivo y decidir volver al sonido de la guitarra acústica, el banyo, la armónica y el piano, tal como había hecho en 1972 con su popular disco Harvest... El resultado fue uno de sus trabajos más exitosos en años, además de ser una entrañable muestra de folk y country.
Y si bien en Dreamin’ Man Live 92 aparecen todos los temas de Harvest Moon, están en otro orden y algunos con arreglos levemente diferentes. Aun así, es una excelente versión alternativa, totalmente despojada (el álbum de estudio tenía coros de Linda Ronstadt y James Taylor, por ejemplo), superior al posterior Unplugged, que ciertamente ya era muy bueno. El tema central (“Harvest Moon”) y “Such a Woman’’ suenan aún más contundentes aquí, sin músicos adicionales.
Despojadas hasta lo más mínimo, las diez canciones suenan poderosas, llenas de alma, convicción y fuerza. Por entonces, Neil Young tenía unos 46 años y el hilo conductor eran sus consideraciones sobre el amor y el paso del tiempo, confirmando la continuidad de su pareja, quejándose sobre las amistades perdidas y apuntando también a los temas ecológicos. No parecen ser bocetos previos, sino las composiciones ya terminadas, tocadas en vivo con las variaciones lógicas del caso.
“Nunca intenté quemar ningún puente", canta aquí uno de los cantautores con más puentes incendiados en la historia del rock, quizás por defender siempre sus instintos y conseguir actuaciones y grabaciones donde su honestidad y sinceridad están a prueba de fuego. Porque quizás fue dejando atrás caminos que no volvió a transitar, pero al mismo tiempo fue construyendo una obra única y fascinante que sobresale tanto en sus variantes más eléctricas (con Crazy Horse y Pearl Jam) como estas soberbias instancias acústicas.

Fuente: Diario Crítica

Periodistas... ¿o niños de papá?

Jacobo García de diario El Mundo de España

¿Se puede llegar a un terremoto con maleta de ruedas? Sí. ¿Puede una revista que dedica su última portada a los maquillajes más sorprendentes y a las joyas que vienen para este año enviar a un periodista para la cobertura? Sí. ¿Puede llegar alguien a la zona más devastada del planeta sin agua, comida ni un teléfono en condiciones? Sí.
¿Puede la AECID (Agencia Española de Cooperación Internacional y Desarrollo) llevar a más de veinte periodistas dentro de un avión de emergencias? Sí. ¿Puede un periodista ponerse a llorar cagado de miedo nada más poner un pie en Puerto Príncipe al verse rodeado de negros? Sí, y ¿puede el ministro de Exteriores buscarles casa a todos los periodistas para que trabajen con "plena seguridad" cuando sólo ayer hubo tres réplicas y ni la policía ha sido capaz hasta ahora de tomar el control de las calles? Sí, y no sólo eso si no que Juan Pablo De Laiglesia, secretario de Estado para Iberoamérica, tuvo que perder un día entero en cumplir la orden del ministro, en medio de un desastre de estas dimensiones. Y además de todo eso incluyan ustedes a una estrella de la televisión nacional convertida en la mayor mosca cojonera de cuantos han pasado por ahí.
El jueves por la noche, junto a muchos otros informadores de todo el mundo, llegó la orden de los marines de EEUU para que la prensa abandonara las instalaciones del aeropuerto de Puerto Príncipe, que los periodistas habían tomado como base de operaciones para realizar su trabajo. En los últimos días en el aeropuerto desembarcaron miles de efectivos estadounidenses cargados hasta los dientes, los aviones militares aterrizaban cada pocos minutos y el material de emergencia corría de forma frenética por la pista pero paseando alegremente en medio de ese desmadre aparece siempre algún periodista. Y fumando.
¿En algún aeropuerto del mundo alguien permitiría una situación así? Pues aquí en Puerto Príncipe así sucedía hasta el jueves. Hasta que fueron expulsados del aeropuerto. Pero no sólo la prensa española sino los periodistas de medio mundo como era lógico.
Pero los periodistas no tienen toda la culpa no, si no que la tiene un paternalismo estúpido que hace que un señor de Moncloa tenga que aterrizar para ver si estamos bien. Aquí no hay desabastecimiento y la comida se puede comprar perfectamente en las calles, eso sí a precios disparatados aunque perfectamente asumibles para un señor que paga en euros. Así que no hay necesidad de ir a robar por la noche (sí, robar por la noche) la comida traída desde España para los equipos de rescate. Tampoco hay violencia, salvo saqueos puntuales, lógicos en estas circunstancias y la electricidad no se ha ido nunca. Pero no, muchos periodistas preferían vivir bajo el cobijo de la gallina de la AECID antes que enfrentarse solos a la una ciudad destrozada de la que lo desconocen todo.

Muestra patrimonial 2009 del Museo Castagnino durante todo el verano

En lo que resta del verano, un paseo de domingo por el Parque Independencia no puede obviar una visita al Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino (bulevar Oroño y avenida Pellegrini), para contemplar las piezas de la segunda colección más importante del país reunidas en Sobre gustos, la muestra anual 2009 del patrimonio Castagnino+Macro que puede verse desde el año pasado en la planta baja.
Sobre gustos incluye nueve núcleos temáticos que agrupan las obras según los hitos en la formación de la colección del museo: un enfoque autorreferencial saludable, ya que muestra el "making off" detrás de lo que se ve, desnaturalizando la selección y mostrando su carácter arbitrario. Todo esto va acompañado de un texto del director artístico del museo, Roberto Echen, quien recorre la historia del gusto, la belleza y la estética en la modernidad en una breve introducción, para luego resumir la historia del museo y justificar la clasificación propuesta por él al equipo curatorial institucional. Todo es perfecto hasta que Echen suelta un "el gusto es mío", que suena como emitido desde el capricho principesco del mecenas. "Queremos tener el gusto de situarnos sobre la base de nuestra historia y eso conlleva la aclaración de lo que nos falta, de los agujeros que tenemos, que necesitamos o deseamos llenar", escribe. Y la pregunta por el sujeto de este deseo revela una continuidad del poder del gusto privado sobre lo público.
El núcleo Milenio se abre con obras recientes: Donación is a work in progress (2008), una instalación trash con botellas plásticas en el piso y otros elementos de Leopoldo Estol; una foto de Santiago Porter que registra la decapitación sufrida por un monumento a Eva Perón (Evita, 2008); unos espectadores del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) registrados fotográficamente por Guillermo Faivovich y, en el centro de la sala, la niña de los ojos del Castagnino+Macro modelo siglo XXI: la polémica Jaula con aves de León Ferrari. De entrada se muestra el límite del arte, como también las posibilidades de la violencia iconoclasta (que es parte de la historia del museo) o del respeto subyugado. Civilización versus barbarie: ¿de qué lado vas a estar? El guión curatorial es manipulador. El espectador toma nota y responderá más adelante en el recorrido, cuando el museo lo interpele con un discurso didáctico.
Nombres ploteados en un pasillo indican luego qué "nos gustaría" tener (¿a quiénes? ¿A Echen, al museo, a Rosario, al fantasma de Juan Bautista Castagnino que clama en el desierto de la ciudad fenicia?). Pablo Suárez (se especifica: pintura de los 70); Juan Pablo Renzi (ídem, y por favor tome nota de esto la persona a cargo del legado); Libero Badii; Federico Klemm; Norberto Gómez; Leandro Erlich; Edgardo Antonio Vigo (objetos de los 70); Grupo CAYC; Guillermo Kuitca (pintura de los 80).
Obras de los rosarinos Mauro Machado, Rubén Baldemar, Graciela Carnevale, Román Vitali, Leo Batistelli, Nicola Constantino, Raúl D'Amelio (actual director del Museo de la Ciudad), Claudia Del Río, Eladia Acevedo, Andrea Ostera, Aurelio García, Daniel Scheimberg, Daniel García y Graciela Sacco, junto a sus pares de Buenos Aires, dan cuenta de aquel momento (re)inaugural, previo a la crisis del 2001, en que el Castagnino ingresó al mundo.
Una sala denominada "núcleo didáctico", se ofrece al público un cuaderno abierto y una birome para que registren sus propios gustos. "Nos interesa conocer el gusto de nuestros visitantes... ¿cuál es la obra que más te gustó y por qué? ¿Cuál obra eliminarías y por qué?", se lee allí, impreso. Este es todo el diálogo que el museo se permite con otros actores del campo cultural.
El recorrido sigue con varios núcleos fundacionales originales, por así decirlo, y con uno dedicado a la creación del Museo de Arte Contemporáneo de Rosario en 2004 y otro a las ediciones. Pinturas de Fernando Fader y de Alfredo Guido despiden al paseante.
En un trabajo publicado el año pasado, Pablo Montini investigó cómo de una colección particular, la de Juan Bautista Castagnino, surgió el Museo Municipal de Bellas Artes que lleva dicho nombre. El primer paso fue la fundación en 1912 de la asociación cultural "El Círculo de la Biblioteca". Después vinieron los salones. El éxito del primer Salón de Otoño, convocado por El Círculo en 1917, fue capitalizado por el intendente Federico Ramonda Migrand, quien creó a los pocos días de su clausura la Comisión Municipal de Bellas Artes, encargada de la futura creación de un museo, según relata Montini. Por supuesto, Castagnino integró la comisión como un miembro de peso. El museo fue inaugurado el 15 de enero de 1920. A la muerte temprana del coleccionista en 1925, su madre, Rosa Tiscornia de Castagnino, donó al museo piezas de su colección. Sobre el gusto de Castagnino (expresado en un inventario de 1914) hay bastante escrito. Montini subraya un sesgo "étnico", es decir, una preferencia inicial por la escuela italiana, justificada por su ascendencia genovesa. Castagnino también compra (o manda a comprar) old masters europeos y más tarde, a partir de 1912, según puntualiza Montini, el gusto de "Juan B." (como lo llaman cariñosamente en el Museo) se abre al americanismo de Ricardo Rojas y Alfredo Guido. Así ingresan a su colección obras argentinas: pinturas de Fernando Fader y del propio Guido, y diversas esculturas.

Vive con sus esculturas de arena en la playa

Sin la idea de ir al récord guiness, sin las ganas de llevarlas a un museo, sin la necesidad de quedarse todo el año, simplemente disfrutar de un arte efímero en el veranito y cubrir los gastos. Desde Mar del Plata y con un gorrito delante de las esculturas para que algún turista deposite algo de motivación con un billetito (unas moneditas a ésta altura es poca reetribución) Rodrigo anda por enero haciendo las figuras. El año pasado llegaron a las 10 figuras en todas las quincenas que estuvieron ahí y hace cuatro temporadas que duermen todo el verano en la playa para cuidar las esculturas; es que hay mucho vandalismo, y está latente el rencor de los que venden sahumerios porque observan el laburo de Rodrigo y no pueden asimilar sus limitaciones artísticas, aparte sospechan de que la gente se dé cuenta que los crucigramas que ellos venden por los balnearios son demasiados costosos y poco originales. Por ende, es muy probable que si nadie se queda a dormir en la playa junto a las esculturas de area vengan ya medios tomados del centro durante la madrugada y se pongan a patear las esculturas como si fuera un momento de divertimento.
Estos años de experiencia le han servido para entender las dinámicas de las playas del centro. Por ejemplo, que la arena del club Alfonsina (entre el centro y Punta Iglesias) les resulta benéfica, porque “es más linda, tiene ambiente más agradable, pasa más gente, nos ven”. También, que este no suele ser su mejor mes. “Es que el que está en enero viene puchereando, no llega a cubrir todo, no te da plata. Pero el que viene en febrero tiene más poder adquisitivo, está más tranqui. Enero es más masivo, pero en febrero hay más plata”, según ha evaluado por los ingresos de la mantita frente al cartel azul que funge de arca. “Con lo que sacás de las esculturas, vivís en el verano, estás bien, pero no podés crecer. Eso sí, te podés dar pequeños gustos: ir a comer afuera, comprar algo en la rotisería”, explica Rodrigo. Pero aunque cueste, él está seguro de que esto es lo suyo, y agrega que el buda con la tabla de surf que puede verse a la entrada del balneario Abracadabra es suyo. “Lo que quiero es poder vivir de lo que me gusta, que es hacer esculturas. Sea con arena, con cemento o fierros, con cualquier material.”
Acá en Rosario se han visto intentos de castillitos de arena o frases escritas con una rama en las orillas del río pero la constante crecida del Paraná no permiten que sean perecederas. Una pena.

El verano nos da un tiempo para leer

La vorágine del día a día durante el año ofrece pocas pausas para seguir una novela o concentrarnos en algún autor determinado. Es mucha la oferta y son demasiadas las ganas de leer lo que nos rodea. Varios tenemos la suerte de encontrar en éste mes la posibilidad de dedicarle tardes o noches a un mismo librito. Con un ventilador de techo en la máxima velocidad, en las playas de Brasil o de Uruguay, en La Florida o en una plaza del barrio.

Varios integrantes de MTQN deben andar por ahí con sus lecturas de verano, tuvo una el webmaster de éste blog y decidió contar algo sobre ella. Los otros compañeros del staff lo irán haciendo, lo harán o simplemente contarán lo suyo al aire en el mes de marzo.
Uno de los libros que he leído en éste verano y es el motivo de éste posteo, fue lanzado en las librerías hace 10 años. Un amigo cinéfilo me hizo llegar una reedición de Tokio ya no nos quiere. Novela de un tal Ray Loriga que tiene fotos con lentes a lo Morrison, trabajó con Almodovar porque hizo varias películas además de libros y hasta le pagó un café al mismísimo Dylan en una charla perdida por algún lugar de occidente. Un consejo de amigo y un curriculum del autor que me entusiasmaron muchísimo.
“La memoria es el perro más estúpido, le lanzas un palo y te trae cualquier cosa”, dice el protagonista de Tokio ya no nos quiere (1999). Páginas más adelante agrega algo eufórico: “¿No es estúpida esa fe que la gente deposita en el pasado, como si el pasado fuera más cierto que el presente o el futuro?”.
El personaje principal (que en ningún momento sabemos cómo se llama) es un dealer. Trafica una sustancia que permite olvidar los recuerdos no deseados. Su trabajo, eso sí, no es aislado; todo es parte de una empresa que lucra con la droga, una multinacional que despacha pedidos en todo el mundo .
Y el protagonista, digamos, no le es muy fiel a la empresa. Desde hace un tiempo que le llegan recados de que no está haciendo muy bien la pega. De que consume el producto que debe vender. Pero él no toma en cuenta los avisos porque, ¿para qué molestarse en recordar algo si podemos olvidarlo?
“En noches así siempre se anda uno preguntando cuánto ha olvidado y cuánto de todo esto va a recordar en el futuro”, dice. Y luego se toma la droga, además de algunos antidepresivos, y se tira descansar en la suite de un hotel en Bangkok. Y ahí, echado y dopado, se da cuenta de que, a fin de cuentas, más que el proveedor se ha vuelto un dependiente más de la droga.
Ray Loriga nos lleva a lugares como Tucson y Phoenix en el desierto de Arizona, donde “los abducidos se reúnen una vez al año para intercambiar detalles sobre sus experiencias a bordo de naves extraterrestres”; el Berlín decadente que remite al mismo sitio donde Bowiey Leonard Coheniban a refugiarse en los 70 y 80; ciudades del sudeste asiático como Bangkok o Ho Chi Minh en las que la prostitución y la sobrepoblación son un detalle más de una postal tercermundista, por donde se mueven los “asesinos de asesinos de memoria. Promises keepers”.
Y esos asesinos de asesinos de memoria son los que persiguen a los dealers. Son los que están en contra de que se consuma una droga que permite olvidar los recuerdos selectivamente. Y el protagonista —se supone— escapa de estos promises keepers. Aunque, en verdad, también escapa de un pasado que gracias a lo que trafica, se ha dedicado a borrar. Una historia personal que apenas vemos a través de flashbacks y uno que otro borrón de memoria que se cuela entre las páginas.

Es alucinante la cantidad de personajes dispares con los que se cruza a través de todo el relato, muchísimas pulperias de viejos mamados que desaconsejan, distintas cervezas de lugares del mundo que son probadas, malestares interiores, las miserias humanas propias que reconoce el protagonista y entre aeropuertos y hoteles leemos un fluir trágico en el protagonista.
La crítica dice que Tokio ya no nos quiere es ese tipo de obras que se escribieron al filo del cambio de milenio y representan bien esa transición numérica. Una obra cargada de paranoia, con todos esos miedos y predicciones pre 2000, en que se hablaba sobre el colapso del orden mundial.

Viaje el sábado a la cultura gastronómica de Santa Fe sin moverse de su casa

Parte del plato
La cultura gastronómica de un pueblo habla de sus carencias y sus abundancias a lo largo del tiempo, de su historia social y de su forma de enfrentar los cambios. Los habitantes originarios, los conquistadores españoles y las distintas corrientes migratorias llegaron al territorio santafesino con sus recetas, encontraron los frutos de esta tierra, cultivaron otros y con esa mezcla dieron de comer a sus hijos. Este programa pone sobre el mantel las partes de ese mestizaje de sabores que nos alimenta diariamente.

Desde el 23 de enero, todos los sábados a las 16 hs. por Canal 5 de Rosario.

Una realización integral de Secretaría de Producciones e Industrias Culturales Ministerio de Innovación y Cultura Provincia de Santa Fe.
Conducción: Federico Fritschi / Producción General: Paula Valenzuela / Producción: Vanina Cánepa, Gabriel Zuzek / Realización y Cámara 1: Sebastián Carazay, Gastón Soso / Cámara 2: Eugenio Chauque / Mics, grip y gaffer: Juan Aronna / Edición y musicalización: Sebastián Carazay / Gráfica en movimiento: Rodrigo Jávega, Malena Cocca / Correccion de color: Eugenio Chauque / Post de audio: Rodrigo Jávega.

"BORDA vs. MACRI" CONTRA EL CIERRE DEL HOSPITAL

WE ARE THE CHAMPIONS" DE QUEEN, CANTADA POR INTERNOS DEL BORDA.
EN PROTESTA CONTRA EL CIERRE QUE MACRI QUIERE DARLE A LOS HOSPITALES NEUROPSIQUIATRICOS BORDA, MOYANO Y TOBAR GARCIA.
(INTERVENCION ARTISTICA DE ANUSH MOURATIAN).

Opciones para pasar el verano en Rosario

VERANO EN CAFE DE LA MUSICA
Todas Las Noches
Ciclo de Musica con Entrada Libre

TODAS LAS NOCHES DE LUNES A SABADOS DESDE LAS 22 HS.
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MARTES 19
MAURO DIGEROLAMO
El cantante, guitarrista y compositor cuyo disco debut" Estoy jugando" obtuvo el premio 2008 de Ediciones Rosarinas, presentará un repertorio de obras instrumentales, canciones de su primer cd y covers de diversos artistas.
Link:
www.myspace.com/digerolamo2
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MIERCOLES 20
MAXIMILIANO SALVATORE
El cantante y guitarrista de Septi3mbre estrenará su set de canciones- tributo a Roberto Sánchez.
Link:
www.myspace.com/septi3mbre
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JUEVES 21
JAZZ CLUB ROSARIO
Laura Cicerone -Voz-
Daniel Martina -Guitarra-
Lisandro Massa -Piano-
El trío interpretará clásicos del jazz, bossa, blues con una inconfundible voz y arreglos originales.
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VIERNES 22
VANESA BACCELIERE - MARIANO SAYAGO
Link:
www.myspace.com/pampajazz
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SABADO 23
SONIDO LILA ( Santa Fe)
A comienzos del 2005, Alejandra Caballero Rojas, da origen a "Sonido lila", su proyecto como banda; junto a Esteban Coutaz (teclados), Lisandro Francucci (guit. elect.), Inaki Chemes (bateria) y Joaquin Amaduzzi (bajo).A fines del 2006, culmina la grabacion de " Manteca de dedos", el primer disco de la banda. Constituido por siete temas, grabados en el estudio independiente Woodbox de la ciudad de Santa Fe; donde tambien se le incorporaron instrumentos como didgeridoo, fujara y algunas programaciones.

Mas vacaciones que nunca

Hace exactamente 20 días que nada se publica en este blog. El parate debe ser el más pronunciado que tuvo esta bitacora en sus ya cuatro años de funcionamiento. A diferencia de otros veranos en este 2010 el periodo vacacional tambien incluyó lo de tomarse licencia para entrar en blogger y actualizar alguna que otra cosa que esta pasando en la ciudad, el país o el mundo.
Igual, tampoco en estos 20 días pasó demasiado. La ciudad, a nivel cultura y espectaculos, esta también de vacaciones, no pasa mucho, la actividad disminuyó considerablemente con respecto al trajin del año. Dicen que en febrero se va a despertar un poco la cosa y que en marzo volvemos a las andadas.

Por lo pronto en estos 20 días, algunos fuimos al cine, a ver Avatar y Sherlock Holmes, algunos anduvieron por las costas uruguayas, otros por las brasileras y otros hasta ahora no pudimos salir del Parana y de la cortita playa que nos dejo este año con su pronunciada visita.

Tambien fuimos a conocer el Casino, el viernes fuimos a ver a Hilda Lizarazu, que dió un show extremadamente rockero, para un publico que no se si sabía a quien estaba viendo.

Prometemos a partir de hoy actualizar estas paginas con más regularidad y tirar algun que otro centro desde nuestro twitter, al que pueden suscribirse entrando acá.
Estamos en contacto.